LA FOTOGRAFÍA
La cámara oscura es un instrumento óptico capaz de “dibujar” con la luz, sobre un papel, no sólo los diferentes valores del claroscuro de un cuerpo iluminado, sino también los diferentes matices de color.
A finales del siglo X ya se tenía conocimiento del fenómeno de la cámara oscura, al haber sido descrito perfectamente por la ciencia árabe y más concretamente por Abu Ali ibn al-Hasan, conocido en Occidente como Alhazen (965-1038), quien aplicó el principio de la cámara oscura para explicar
la formación de la imagen visual en el ojo. Existen testimonios anteriores de la observación de los fenómenos y efectos de la luz producidos por la cámara oscura: desde el siglo V a.C. en algunos textos de filósofos chinos y, en el siglo IV a.C. en una referencia de Aristóteles (384-322). Sin embargo, hasta Alhazen no se plantea su relación con la formación de la imagen óptica.
Durante la Edad Media, Roger Bacon continuó con los estudios de Alhazen en relación a la reflexión y refracción de la luz y, aunque conocía la existencia de la cámara oscura, no llegó a describir ninguna.
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| ASI FUNCIONA UNA CAMARA OSCURA |
Historia e Inicios de la Fotografía
Joseph Nicéphore Niépce ha pasado a los anales de la historia por ser el hombre que consiguió la primera fotografía, fijando imágenes mediante el método que denominó heliografía.Niépce nunca fue un buen dibujante y en 1814, cuando perdió a su hijo con grandes cualidades artísticas tras su decisión de alistarse en el ejército, tuvo que aprovechar su experiencia como litógrafo y químico para buscar nuevas formas de producir.
Durante los años siguientes comenzó a experimentar con barnices sensibles a la luz, y más tarde con cloruro de plata, pero, como muchos coetáneos, no fue capaz de conseguir imágenes permanentes y que no se terminaran desvaneciendo.
Sus mejores resultados los consiguió cuando decidió untar betún de Judea sobre placas litográficas para inmortalizar sus imágenes. En 1822, Niépce tomó un grabado del Papa Pío VII, y lo untó en aceite para hacerlo transparente. Expuso ese grabado a la luz del sol, dejando la placa untada en betún detrás, de tal modo que la luz del sol pasase a través de las partes claras del grabado endureciendo la capa de betún de Judea a la placa, dejando las partes de sombra sin endurecer. Después, tomó la placa litográfica y la sumergió en aceite de lavanda, de tal modo que las partes no endurecidas se disolvieron, dejando el grabado plasmado en la placa.
Esta réplica del grabado del Papa Pío VII se perdió, y pocos años después llegarían las que serían las primeras fotografías conservadas. Existe mucha controversia para determinar cuál fue verdaderamente, aunque la que más comúnmente se ha reconocido como la primera fotografía de la historia se trata de “Punto de vista desde la ventana de Gras”, tomada a través de su ventana en 1826 es la primera fotografía conocida y se conserva en la actualidad en la Universidad de Texas. Sin embargo, el semiólogo Roland Barthes, en su obra "La´cámara lúcida" (Paidós, Barcelona, 1989), recoge una imagen posterior que el autor acompaña de un pie de foto, "La primera fotografía". Se trata de la obra La mesa puesta, una borrosa instantánea de una mesa dispuesta para ser utilizada en una comida, datada por el autor en 1822, que se conserva en el Museo Nicéphore Niepce. La foto anterior, realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 8 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Para realizar esta fotografía utilizó una plancha de peltre recubierta de betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles.
II: Punto de vista desde la ventana de Gras (1826)
Otros muchos consideran que la primera foto se trata de Tirando de un
Caballo, una reproducción de un grabado holandés, datado en 1825. De
hecho, esta foto se llegó a vender en 2002 por medio millón de euros
como la primera fotografía de la historia.
III: Tirando de un caballo (1825)
III: Tirando de un caballo (1825)
En 1989, Roland Barthes, en su publicación “La Cámara Lúcida” recoge una fotografía de Niépce que según el data de 1822. Se trata de una borrosa imagen conocida como “La Mesa Puesta”, y cuyo original se conserva en el Museo Nicéphore Niépce.
IV: La mesa puesta (1822)
Después de estas primeras fotografías y otras muchas no conservadas,
en 1829, Niépce se unió en sus investigaciones y progresos a Louis
Daguerre. Su repentina muerte en 1833, no le permitió llegar a obtener
beneficios nunca de su descubrimiento. Daguerre sería con el paso de los
años el principal y primer difusor de la fotografía, y patentó el
invento bajo su nombre en enero de 1839. Pocos meses después el gobierno
francés, al ser consciente del alcance del inventó, declaró el invento
como de libre acceso, quitando los derechos de patente a Daguerre, y
beneficiándolo a él y al hijo de Niépce, Isodore, con una pensión
vitalicia.
EVOLUCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA
La primera fotografía a color
La fotografía en colores fue estudiada a lo largo del siglo XIX. Experimentos iniciales en color no pudieron fijar muy bien la fotografía ni prevenir que el color se desvaneciera. Además, hasta los años 1870 las emulsiones disponibles no eran sensibles a la luz roja o verde.
La primera fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el físico escocés James Clerk Maxwell. Presentó su método aditivo de fotografía en color en Londres,
con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse
mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en
diferentes proporciones. Probó la teoría haciendo pasar la luz a través
de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una
pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en
color y recibió el nombre de tricromía.
La fotografía en color que realizó Maxwell fue a partir de tres
fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente:
rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la
misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado
para tomarla. La fotografía se llamó Tartan Ribbon y está considerada como la primera fotografía de color permanente. Ésta todavía puede verse en la Universidad de Cambridge.
El procedimiento tiene un fundamento científico, pero el experimento
resultó por pura coincidencia, ya que la emulsión utilizada por Maxwell
poseía una sensibilidad cromática insuficiente.
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| James Clerk Maxwell (Edimburgo, Escocia, 13 de junio de 1831 – Cambridge, Inglaterra, 5 de noviembre de 1879). Físico escocés conocido principalmente por haber desarrollado la teoría electromagnética clásica, sintetizando todas las anteriores observaciones, experimentos y leyes sobre electricidad, magnetismo y aun sobre óptica, en una teoría consistente. |
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| La primera fotografía a color se llamó Tartan Ribbon y está considerada como la primera fotografía de color permanente. Ésta todavía puede verse en la Universidad de Cambridge
Funcionamiento
de la cámara
La cámara oscura
es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o
el sensor electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las
imágenes capturadas depende del tipo de cámara, quedando guardadas en la misma
película si se trata de máquinas clásicas, o en algún dispositivo de memoria en
las digitales. En este último caso, la imagen resultante se almacena electrónicamente
como información digital, pudiendo ser visualizada en una pantalla o
reproducida en papel o en película.
Para realizar una
toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de
ajustar la calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material
fotosensible. Al dispararse el obturador, dicho material es finalmente
expuesto, provocando en él alteraciones químicas o físicas que constituyen una
"imagen latente", aún no visible pero presente en su estructura
interna. Tras un proceso adecuado, esta información se convierte en una imagen
utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es una película o
placa fotográfica; mientras que las digitales utilizan dispositivos
electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD o en CMOS.
La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que
toma una secuencia rápida de fotografías en tiras de película. Cuando se
reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona
unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la sensación de movimiento.
En todas las
cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una
exposición correcta se produce a través del ajuste de una serie de controles
con los que se trata que la fotografía sea clara, nítida y bien iluminada. Los
controles habituales que se incluyen son los siguientes:
Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado
sobre la calidad o la estética de una fotografía; entre ellos los siguientes:
Longitud focal y tipo de objetivo (Teleobjetivo u objetivo "largo" , Objetivo macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom)
·Filtros
fotográficos, se se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el
captor, pudiendo situarse por delante o detrás del objetivo.
·
sensibilidad del medio a
la intensidad de la luz y longitud
de onda de cada color.
·
La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su
resolución medida en pixels o granos de haluros de plata.
PARTES DE UNA CAMARA FOTOGRÁFICA
 Historia de las camaras fotograficas |
¿
Que es la Composición ?
La composición es dar
una determinada forma a los objetos que se encuentran dentro de una imagen, la
cual puede ser interpretada y analizada.
La podemos encontrar
en el CINE , la FOTOGRAFIA o la PINTURA.
En este sentido, todo
cuadro, imagen o configuración visual es una composición o, lo que es lo mismo, un conjunto organizado de
elementos.
Planos
En fotografía, igual que en cine, se habla del
plano cuando se quiere expresar la proporción que tiene el tema dentro del
encuadre, los cuales en gran medida nos indican que porción de la imagen debe
aparecer en la toma y cuales son los mejores cortes que se pueden realizar sin
que se descuide la proporción adecuada y que la misma conserve la estética de
la imagen.
Encontramos
varios planos :
Gran
Plano General
•Este
muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto queda diluido en el
entorno.
•Puede
adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la
pequeñez del hombre frente al medio.
•Se
da más relevancia al contexto que a las figuras que se filman.
•También
se utiliza para mostrar los paisajes.
Plano
general
•Aquí
lo importante es la escena general y no un detalle en particular.
Ej. Un parque,
paisaje, colegio, calle…
•La
persona no está, o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña,
masificada.
Plano
Entero
•Es
el encuadre donde se enfocan los límites superiores e inferiores de un objeto.
•En
el caso de la figura humana coinciden con la cabeza y los pies del sujeto.
•Es
el plano ideal para describir las acciones físicas.
Plano
Americano (3/4)
El corte se realiza
aproximadamente a la altura de las rodillas. Tiene su origen con
las películas del oeste, y no fue hasta entonces cuando se comenzó a hablar de
este plano como tal, hoy en día es utilizado en series de T.V y comedias de
cine.
Plano Medio
•También
llamado de cintura y como su nombre lo indica, es el plano intermedio por
excelencia.
•Se
produce a la altura de la cintura, y empieza a ser considerado un plano de
retrato.
•Se
le da más importancia a los aspectos
emocionales del sujeto, siendo así, el personaje ocupará la gran mayoría de la
escena y el fondo pasará desapercibido.
•Agranda el detalle y
miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando de una vez por toda la
importancia del fondo.
•En el caso de la
figura humana, recogería el rostro y los hombros.
Ej.
Fotos de carnet.
Primerísimo
Primer Plano
•Suele
caracterizarse por la desaparición de la parte superior de la cabeza y la
fijación del límite inferior en la barbilla del personaje.
•La
carga emotiva se acentúa y la atención en el personaje es prácticamente total.
Ej. Fotos promocionales de productos de
belleza.
Plano
de Detalle
Este muestra un
pequeño detalle, este tipo de planos son difíciles de emplear con acierto, ya
que pueden confundir al espectador al no dar referencia alguna ni del entorno
ni siquiera, del propio sujeto.
Los detalles se
agrandan al máximo y la carga emocional alcanza su punto álgido.
Encuadre
ÁNGULO
DE TOMA
•La amplitud del
registro visual de los distintos tipos de lentes
•La colocación desde la
cual se retrata el motivo que nos interesa
Los ángulos de toma se dividen en cuatro
tipos según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se
realicen.
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TRES
REGLAS DE LA FOTOGRAFIA
•Regla 1
La ley del horizonte
Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse,
imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura
•Regla 2
La
ley de la mirada
Es aquella ley en que todo sujeto dentro
del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal
que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo
abarcado en el encuadre de la toma.
•Regla 3
Ley de los tercios
Divide la escena
en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.
Simetría
y Asimetría
La simetría es la
exacta correspondencia de todas las partes de una figura respecto de un centro,
un eje o un plano, entendiendo de este modo, asimetría como el concepto
contrario.
Simetría
Asimetría
RITMO
El ritmo consiste en la repetición rítmica
de líneas y formas. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación
agradable para el ojo humano.
El ritmo llama la atención por si mismo y
puede ayudarnos a estructurar la imagen.
En
la composición el color juega un papel importante, su contraste actúa a través
de la atracción o excitación del público observador mediante la variación de su
intensidad y niveles de contraste.
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